The Decisive Moment: What Henri Cartier-Bresson Actually Meant

Le professeur de photographie Henri Cartier-Bresson a fait quelques observations clés sur la photographie, qui a été traduite par “le moment déterminant” et qui est souvent (à tort) décrite comme : “la capture d’un événement éphémère et spontané, dans lequel la photographie représente le l’essence même de l’événement.” “

Beaucoup a été écrit sur l’expérience psychosomatique des “moments décisifs”, mais ces conclusions, bien qu’intéressantes et fascinantes, n’étaient pas ce dont parlait Cartier-Bresson et la mauvaise orientation de son écriture. Bien que cela puisse sembler un débat assez académique, non seulement je trouve l’écriture de Cartier-Bresson particulièrement utile aujourd’hui, mais je trouve aussi que l’incompréhension mine quiconque essaie d’apprendre la photographie de rue.

1952 première édition de moment décisif d’Henri Cartier-Bresson.

Le livre de Cartier-Bresson, écrit en 1952 en français, s’intitule Images de style soviétique (“Images on the Run”) avec une grande partie de son travail est un très bref examen de son processus de photojournalisme. Il s’agissait littéralement de prendre des photos dans un monde dynamique et mouvant. Il a utilisé le terme «moment décisif» dans ses écrits, dans un sens très précis, mais le terme s’est approprié comme titre dans la traduction anglaise et a conduit à une génération qui a complètement perdu son sens.

Perceptible: Toutes les citations sont tirées de “The Decisive Moment” de Cartier-Bresson Simon & Schuster / Editions Verve, 1952.

Le moment crucial ne concerne que la composition

Ici le moment décisif est décrit :

Si l’image doit transmettre son sujet dans toute sa sévérité, alors la relation de la figure doit être strictement établie. La photographie consiste à reconnaître un rythme dans le monde des choses réelles. Ce que fait l’œil, c’est chercher et se focaliser sur un sujet particulier à l’intérieur du bloc de réalité… Dans l’image, la composition est le résultat d’une alliance synchrone, d’une coordination organique des éléments que l’œil perçoit. On n’ajoute pas de composition comme s’il s’agissait d’une réflexion après coup superposée au sujet de base, car il est impossible de séparer le contenu de la forme.

La configuration doit avoir son propre déterministe.

Mais à l’intérieur du mouvement, il y a un moment où les éléments mobiles sont en équilibre. La photographie doit saisir ce moment et l’équilibrer. [emphasis mine]

Le moment crucial est la propriété de l’avantage du point et du cadrage (et bien sûr du timing), et ne pas À propos de l’essence de l’événement extérieur. Son argument est que dans le tourbillon de l’humanité et de la nature, tout autour de nous, il y a une contingence transitoire Moments où les objets en mouvement s’alignent naturellement cadre intérieur.

Cependant, il est vrai que lorsque tous ces éléments de composition sont alignés, la chose que vous photographiez peut révéler quelque chose de magique et d’imaginatif. Mais c’est un dossier calendrier à partir de la configuration. Et le capturer ne peut pas vraiment être réalisé avec une pensée ordonnée et une structure coercitive – cela passe par l’instinct d’appuyer et de relâcher l’obturateur en un instant basé sur l’intuition.

La composition devrait être l’un de nos intérêts constants, mais au moment de la prise de vue, cela ne peut provenir que de notre intuition, car nous sortons pour capturer le moment de l’évasion, et toutes les interrelations impliquées sont en mouvement.

Je trouve que cette démonstration de physique est une bonne illustration de l’aspect chaotique et aléatoire des objets dans le monde réel, mais périodiquement, à certains moments, il y a un motif et une harmonie, qui se dissipent rapidement (vous voudrez peut-être le désactiver dans cette vidéo) :

De toute évidence, le monde réel n’est pas aussi structuré, mais ces sentiments capturent principalement les “moments critiques” – les états dans lesquels les objets en mouvement atteignent l’harmonie visuelle.

De plus, à cause de cette position, Cartier-Bresson fait un argument contre le recadrage – déclarant que si vous composez soigneusement en photographie, le recadrage ne créera pas les équilibres et l’harmonie que vous avez manqués. On pourrait dire que bon nombre des grandes et célèbres photos sont le résultat d’un recadrage – le portrait d’Arnold Neumann par Stravinsky en est un exemple parmi tant d’autres – mais le désir de Cartier-Bresson de réaliser cet objectif à huis clos est louable (et aussi de creuser dans les éditeurs de magazines qui pourraient recadrer une “bonne” photo – ce qui la tue généralement):

Si vous commencez à recadrer ou à recadrer une bonne photo, cela signifie la mort de l’interaction géométriquement correcte des proportions. De plus, il arrive rarement qu’une image mal composée puisse être sauvée en reconstituant sa composition sous une loupe de chambre noire ; La sécurité de la vision n’existe plus.

Henri Cartier Bresson Derrière le quartier, Saint Lazar (1932) est souvent cité en exemple de son “moment décisif”.

Rejeter la règle des tiers, le juste milieu et les autres règles

Plus important encore, Cartier-Bresson explique pourquoi les « règles » ne sont pas considérées comme la façon dont la composition est faite. Et si le juste milieu (et j’ajouterais, la règle des tiers) peut être intéressant à analyser, il n’a pas sa place dans la prise de vue :

Toute analyse technique, c’est-à-dire la réduction d’une image à un schéma, ne peut être effectuée (de par sa nature même) qu’après que l’image a été prise, développée et imprimée – après quoi elle ne peut être utilisée que pour l’examen post-mortem de l’image. J’espère que nous ne verrons pas le jour où les magasins photo vendent des mini grilles rayées à monter sur nos viseurs ; Et la règle d’or ne se retrouvera jamais gravée sur notre verre terrestre. [emphasis mine]

Je pense que Cartier-Bresson serait agacé par l’utilisation de grilles de règle des tiers qui sont parfois fournies dans les sélecteurs d’appareil photo, qui sont totalement inadaptées comme base pour l’enseignement de la composition photographique.

Pose dynamique en une seule photo

Au début du livre, il exprime son ambition de saisir l’essence d’une situation dynamique en une seule image – la source de l’abus d’un “moment décisif” –

J’ai erré dans les rues toute la journée, tellement frustrée et prête à bondir, déterminée à “attraper” la vie – à garder la vie dans l’acte de vivre. Avant tout, j’aspirais à saisir, dans les limites d’une seule photographie, toute l’essence d’une situation qui était en train de se dérouler sous mes yeux.

Il continue à décrire une “histoire” graphique – une série de photographies utilisées pour couvrir un événement. Ceci est souvent confondu avec l’aspiration mentionnée ci-dessus. Mais il suggère qu’il serait inhabituel qu’une seule image transmette ce qu’une série d’images pourrait faire.

Parfois, il y a une image unique dont la composition possède une telle vigueur et richesse, et dont le contenu rayonne vers l’extérieur, que cette image unique est une histoire entière en soi. Mais cela arrive rarement.

Heiers, France (1932) est un autre exemple fréquemment cité du concept Cartier-Bresson d’un “moment décisif”.

Pas de sur (ou sous) prise de vue

Le dépassement avertit. Les photographes doivent trouver un équilibre entre prendre trop de photos, ne pas en prendre suffisamment et manquer quelque chose d’important. Le photographe doit distinguer.

“[The real world] une offre[s] Une telle abondance de matière que le photographe doit se prémunir contre la tentation de vouloir tout faire… » écrit Cartier-Bresson. « Il faut éviter de tirer comme une mitrailleuse et de s’encombrer d’enregistrements inutiles… »

Ceci est particulièrement pertinent aujourd’hui, avec la faible friction du tournage, déplaçant le fardeau vers une post-production fastidieuse. Bien sûr, vous ne voulez pas manquer le moment, et il y a certainement des sujets partout qui peuvent être rendus amusants, mais il suggère que la couverture soit mesurée.

Photographie candide par souci d’originalité

Cartier-Bresson discute de l’importance d’être sous couverture en photographie si vous voulez capturer quelque chose d’authentique. Rappelez-vous que le petit appareil photo de haute qualité était relativement nouveau, tout comme l’attrait de la photographie candide, qui en était l’un des partisans. Il dit:

Dans toute bande dessinée que nous essayons de faire, nous sommes obligés d’arriver en tant que hackers. Par conséquent, il est nécessaire d’aborder le sujet sur la pointe des pieds – même si le sujet est encore vivant. Main de velours, œil de faucon – ce sont des choses que nous devrions tous avoir.

Il dit que si votre intention de photographier est claire, vous devez prendre du recul et mettre vos sujets à l’aise avec votre présence. “Lorsque le sujet est inconfortable de quelque façon que ce soit, le personnage disparaît là où l’appareil photo ne peut pas l’atteindre.”

A ce propos, il plaide pour une prise de vue en lumière naturelle, afin de ne pas perturber la scène réelle. Et aucune photo n’a été prise à l’aide d’une lampe de poche non plus, même si par déférence pour la lumière réelle – même lorsqu’aucune n’est présente. À moins que le photographe ne remarque de telles circonstances, il peut devenir un personnage insupportablement agressif.

sur la recherche d’un sujet

Cartier-Bresson fait valoir que beaucoup d’autres ont fait valoir qu’il n’y a pas de fin au sujet potentiel (et, comme Elliot Erwitt l’a dit des années plus tard, la photographie ne concerne pas l’objet mais plutôt la façon dont vous le voyez).

« Il y a un thème dans tout ce qui se passe dans le monde… » et « En photographie, la plus petite chose peut être un sujet merveilleux », dit Cartier-Bresson. Il poursuit “Le sujet n’est pas constitué d’un ensemble de faits…” qui parle de faire la distinction entre photographier des objets et des moments. “Il y a mille façons d’extraire l’essence de la chose qui nous captive.”

Il poursuit en expliquant les détails de la représentation des portraits et des visages, et en essayant de capturer l’identité du modèle, notant la relation problématique avec un client qui veut “être flatté, et le résultat n’est plus réel”.

moment décisif Considéré comme l’un des livres les plus importants du XXe siècle sur la photographie, il y a de nombreuses leçons dans son texte élégant qui ressortent de ses travaux historiques. Mais l’abus et l’incompréhension constants de ses leçons par les professeurs de photographie doivent être reconsidérés.


Observation Si vous aimez cette perspective, je vous encourage à suivre l’un de mes ateliers à travers les ateliers de photographie de Santa Fe. Il y a 3 semaines de programmes en ligne tout au long de l’année et en août de cette année, il y a un programme intensif d’une semaine en personne qui devrait être amusant pour tout amateur créatif, peut-être que si vous vous installez, sentez que vous êtes doué pour prendre des photos , mais que vous voulez payer vous-même. Quoi qu’il en soit, merci d’avoir écouté.


A propos de l’auteur: Michael Rubin, ancien de Lucasfilm, Netflix et Adobe, est photographe et animateur du podcast Everyday Photography, Every Day. Les opinions exprimées dans cet article n’engagent que l’auteur. Pour en savoir plus sur Rubin, visitez Neomodern ou suivez-le sur Instagram. Cet article a également été publié ici.

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