On Jazz, Bassists, and Expecting the Unexpected as Photographers

On dit que les meilleurs plans des rats et des hommes tournent souvent mal. En tant que photographes, je suis sûr que beaucoup d’entre vous peuvent gérer ces sentiments aussi agressivement que moi. J’ai vécu l’expérience d’une séance photo sur place qui m’a rappelé à quel point il est important de s’attendre à l’inattendu en tant que photographe, que j’aimerais partager avec vous.

J’ai récemment été appelé pour une séance photo de dernière minute au Dizzy’s Club Coca Cola, l’une des meilleures salles de jazz de Manhattan. Dizzy’s se produisait pour célébrer le centenaire du légendaire guitariste Charles Mingus, et le spectacle comprenait le Mingus Big Band. Un journaliste d’un magazine électronique était sur place pour interviewer Boris Kozlov, le bassiste, et il m’a contacté pour voir si je pouvais filmer l’événement. En tant que joueur de jazz, j’étais naturellement heureux d’avoir cette opportunité et j’ai tout de suite dit oui. Bien que l’écrivain ne pensait à rien de spécifique, j’ai suggéré qu’en plus de documenter la performance et l’interview, ce serait bien de prendre des photos posées de Boris avec la basse de Mingus, s’il est d’accord avec l’idée.

Après moins de 24 heures de préparation et réalisant qu’il y aurait un délai limité pour les selfies (nous avons calculé entre 30 et 45 minutes), j’ai apporté deux Joe McNally Ezbox et deux Canon 600EX II-RT Speedlite, comme je m’y attendais être le moyen le meilleur et le plus portable de faire avancer les choses. Je ne voulais pas m’occuper des câbles et du temps qu’il fallait pour installer les flashs, et je savais déjà que le théâtre allait être bourré de gadgets, de supports et de haut-parleurs. La vérification du son s’est terminée vers 17h30, heure à laquelle j’arrive avec mon assistant. Notre plan était de filmer Boris après la vérification du son et avant le premier set. C’est alors que tout a tourné à gauche. Tout d’abord, la vérification du son a été retardée, ce qui a pris une partie de notre temps (c’est courant et je devrais le faire, mais je ne m’y attendais pas). Mais le vrai défi a été quand j’ai réalisé qu’au lieu d’un guitariste, il y en avait trois, et que je devais prendre une photo de groupe d’eux et de leurs tenues. Mon plan initial, qui était d’environ 45 minutes pour filmer un seul bassiste, est tombé à l’eau. Au lieu de cela, j’avais maintenant peu de temps pour photographier trois guitaristes, tous entassés sur une petite plate-forme entourée de fils, de stands et de musiciens bloqués.

À ce stade, j’ai eu une petite crise de panique intérieure, alors que mes meilleurs plans s’effondraient sous mes yeux. J’ai dû repenser à tout ce que j’allais faire, et pendant une seconde, mon esprit est devenu complètement vide ! Après quelques instants, je me suis décidé et j’ai réfléchi à la situation pour formuler un nouveau plan. Je savais que je devais travailler vite, car les musiciens étaient prêts à faire une pause bien méritée avant le début du premier set.

J’ai décidé que mon meilleur pari était de renoncer à la configuration à deux lumières que j’avais prévue, car il n’y avait ni temps ni espace, et j’ai plutôt utilisé un seul flash et une Ezbox. C’est un must pour eux trois. Bien que j’aie apporté des supports légers, il n’y avait ni place ni temps pour les installer, j’ai donc demandé à mon assistant de garder le modificateur dans la meilleure position possible pour couvrir les trois joueurs. J’ai réglé le flash sur ETTL, jeté un objectif de 24 mm sur l’appareil photo, trouvé une surexposition à la périphérie et commencé à prendre des photos alors que les graves aigus jouaient ensemble un ton impromptu. Après environ cinq minutes, nous avons terminé les photos de groupe, et j’ai demandé à chacun d’eux s’ils pouvaient me donner quelques minutes de plus de leur temps pour prendre des photos en solo, ce qu’ils ont tous accepté de faire. L’ensemble de la séance photo a duré une dizaine de minutes. Je voulais raconter cette histoire car cela m’a rappelé à quel point il est important d’être prêt à tout en tant que photographe. Je m’attendais à une situation complètement différente, plus de temps et, à mon avis, prévu pour obtenir des résultats extraordinaires. En plus de tout le reste, je pensais à l’origine qu’il ferait sombre au moment où nous avons pris les photos et j’ai imaginé une ligne d’horizon lumineuse de New York et de riches lumières de scène en toile de fond. Et bien que j’aie des sentiments mitigés à propos des photos que j’ai prises (principalement d’un point de vue artistique), j’ai appris (en fait, je réapprends) une leçon précieuse sur la résilience et le calme sous pression et quand nous sommes prêts à travailler comme les photographes, nous devons faire tout ce qui est nécessaire pour faire le travail et ravir nos clients.

Il s’avère également qu’être photographe, c’est un peu comme être musicien de jazz. Cela peut sembler idiot, alors laissez-moi vous expliquer. En musique comme en photographie, il n’y a pas deux pièces qui se ressemblent. Lorsque j’emmène la basse et le subwoofer au concert, il n’existe pas d’approche unique pour obtenir un bon son. Chaque pièce est acoustiquement différente, ce qui signifie que je dois modifier les réglages des haut-parleurs, l’endroit où je place l’ampli sur scène et même la façon dont je joue physiquement de la basse. Ces variables affecteront le bon ou le mauvais son des basses. En d’autres termes, chaque espace dans lequel je travaille a des caractéristiques fondamentalement différentes, auxquelles je dois répondre rapidement et m’adapter.

Il en va de même pour nous en tant que photographes, même si nous utilisons la lumière plutôt que le son comme médium. Il n’y a pas deux pièces identiques, et aucun visage ne se ressemble, donc chaque lieu et thème présente un ensemble unique de défis que nous devons surmonter pour obtenir la photo. Et comme les musiciens de jazz, nous devons être capables d’improviser dans des circonstances en constante évolution, parfois avec peu de temps alloué pour faire le travail.

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